ACIDCONGA

La primera vez que escuché algo de The Budos Band fue en la ciudad de Nueva York, leyendo un periódico local que me habían regalado a la salida del metro. Por no tirarlo a la basura, me puse a hojearlo y en alguna de las páginas interiores vi la foto de un grupo de 10 personas abrazadas de algún instrumento musical, entre los cuales logré distinguir saxofones, trompetas, guitarras, percusiones e incluso un fender rhodes. Aquel grupo parecía más un equipo de futbol, sin embargo el título de la nota decía algo así como funk, soul y afrobeat desde Staten Island. Era el año 2007 y The Budos Band estaba promocionando su primer disco. Lo primero que hice al llegar a mi casa fue bajar ese disco y escucharlo antes de que cualquier otra cosa sucediera. Desde entonces no he dejado de seguir el trabajo de este super combo y todos los proyectos alternos en los que colaboran.

Este es su tercer disco y se mantienen fieles al sonido original de la banda. Cualquiera creería que los miembros de este grupo son todos africanos y que alguna vez tocaron con Mulatu Astatke o con el Africa 70 de Fela Kuti. Para nuestra sorpresa, todos son “güeros (rubios) gringos” del condado más olvidado de la ciudad de Nueva York (Staten Island). Si cierras los ojos, te sentirás en la selva más profunda del continente africano, entre cebras, changos, gorilas y ramas. Mientras avanzas, escuchas el crujir de las percusiones y la profundidad de los metales. Sientes en cierta forma un sonido rústico, medio oxidado, pero al mismo tiempo es nítido y claro. Esto, no es obra de la casualidad sino del estudio en el que fue grabado. The Budos Band pertenece al sello Daptone Records, cuyo trabajo se ha distinguido por recuperar el estilo y los sonidos funkeros de los años sesenta y setenta. En el “House of Soul Studios” (Brooklyn, NY) todo es análogo y nada es digital. La idea es poder obtener un sonido fiel al que se tenía en el pasado y poder recrear grabaciones como las que se hacían en aquellos años. Incluso, todos sus discos son editados tanto en CD como en vinil.

Una vez más, Daptone Records nos sorprende con una grabación de calidad y The Budos Band III se ha ganado la distinción del disco de la semana.

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El 21 de noviembre de 1877 el destino de la música fue alterado radical y terminantemente. La pueril cancioncilla Mary had a Little lamb, se acababa de convertir en el primer acontecimiento sonoro, que parecía romper la condena a la que su propia naturaleza lo sujetaba: la condición de lo efímero. Edison daba a conocer la reproducción del primer registro sonoro gracias a la invención del fonógrafo, y con ello, conseguía liberar a la música de ser un movimiento irrepetible que se extinguía siempre en el instante mismo de su ejecución, al tiempo que la atrapaba materialmente en un cilindro de cartón y cera.

Desde ese momento, el modo en el cual percibimos la música, la forma en la que la hacemos, gozamos y utilizamos; el papel del músico en la sociedad y muchas cosas más, han tomado un rumbo vertiginoso que el apantallante genio del buen Edison –dedicado por completo a la invención de aparatillos que han cambiado nuestra vida- jamás avizoró.

Así pues, lo que en estas líneas pretendo ofrecer, es un panorama de esos aspectos que se han visto transformados cuando la música empieza a reproducirse técnicamente a través del sistema de aparatos. Aunque inspirado y apoyado en el importantísimo ensayo de Walter Benjamin, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica[i], este escrito busca llevar las ideas de Benjamin a un lenguaje artístico diferente a través de caminos alternos.

I.

Desde tiempos remotísimos los hombres nos hemos avocado a capturar el imparable flujo del sonido, ya sea el de nuestras palabras, o en el caso que nos incumbe, el de la música. Aunque nos ha tomado milenios acercarnos a ese ideal que implica atraparla en su transcurrir, el aparato de almacenamiento que traemos de fábrica, fue el primero en permitirnos su transmisión y reproducción. La memoria, expresada en la tradición oral e instrumental que convive hasta nuestros días con los demás mecanismos de transmisión de la música, fue la pionera en permitirnos rescatarla del inexorable silencio al que estaba condenada cualquier pieza musical tras haber sido ejecutada.

Después, como sucedió también con nuestras palabras, la representación simbólica fue el siguiente salto revolucionario, y de ello tenemos registro desde el antiguo Egipto y Mesopotamia hace más de 4,000 años. A partir de que la música quedó congelada mediante símbolos plasmados en la piedra, la arcilla o el papel, su alcance se expandió, ya que pudo transmitirse más allá del círculo inmediato de aquellos que la recuerdan, y su estructura se complejizó, pues se logró pensarla no en su transcurrir sonoro, sino estatizada en su disposición simbólica. Así, los sistemas de notación musical se desarrollaron, dando lugar –con mayor ahínco en Occidente- a la experimentación en los diferentes elementos constitutivos de la música: la armonía, el ritmo y la melodía.

La música clásica occidental es la que en mayor medida le ha sacado provecho a este método de transmisión. Del canto gregoriano a las expresiones posmodernas, este género ha tendido a perpetuarse mediante los símbolos, en un intento por constituirse como una idealidad capaz de trascender y al mismo tiempo regir cualquier interpretación. Así, el desarrollo de los sistemas de notación ha implicado desde su inicio la especialización de las indicaciones estructurales y técnicas para los ejecutantes, pues los signos y su acotada interpretación se convirtieron en la garantía de que volveríamos a escuchar aquello que está plasmado en la partitura.

Para el Renacimiento, el desarrollo de la escritura musical permite al compositor moderno, empapado de individualidad, instalarse en el papel de soberano creador, mientras que el rol del músico ejecutante pasa a ser el de traductor y mensajero del discurso musical manifestado en los símbolos.

Ahora bien, tanto la tradición oral como la escrita han conseguido, hasta cierto punto, devolvernos ese discurso sonoro que desde el mismo momento en que se expresa tiende al silencio. Sin embargo, ambas tradiciones sólo nos habían permitido transmitirlo de un modo trascendental, es decir, más allá de la experiencia fugitiva que aconteció en la escucha, dejando tras de sí una red de conexiones neuronales o una serie de manchas sobre el papel.

Para que la música almacenada en la mente de alguien o simbolizada sobre el papel vuelva a escucharse, es necesario que recorra de nuevo el cuerpo y explote en las cuerdas vocales o se vuelque mediante los dedos a los cordajes, teclados y parches, en el tiempo mágico de la ejecución. Es necesario regresarla de un limbo inaudible, que dada la inmensa cantidad de elementos humanos, y por lo tanto imperfectos, que se deben conjuntar para lograrlo, sólo consigue darnos una sensación de familiaridad y autenticidad a veces sorprendente pero siempre dudosa, pues sabemos que la ejecución pasada o ideal está siempre en un más allá que se fue para no volver. Esto es precisamente lo que la era de la reproductibilidad técnica musical parece subvertir.

II.

Cuando se consiguió grabar y reproducir música mediante un sistema de aparatos primero mecánicos y analógicos, después magnéticos y más tarde digitales, pareció por fin cumplirse el anhelo de atrapar a la música en su devenir mismo. Las dudas sobre la familiaridad y autenticidad de lo que escuchamos prácticamente desaparecieron en el sentir del oyente promedio.

Cuando oímos el disco del Concierto para violín en mi menor, Op. 64 de Mendelssohn, ejecutado por Yehudi Menuhin y la orquesta Philharmonia bajo la dirección de Wilhelm Furtwängler, grabada en mayo de 1952, bajo el sello de Emi Classics, difícilmente nos queda duda de que lo que escuchamos es la música que Mendelssohn escribió y que Menuhin, Futwängler y los músicos de la orquesta Philharmonia, tocaron en 1952. De igual manera podemos afirmar que conocemos a la perfección la música de Pink Floyd y los Beatles pues hemos escuchado muchas veces todos sus discos y hasta nos los sabemos de memoria, aunque jamás los hayamos escuchado en vivo.

Al escuchar una grabación tendemos a pensar que ésta no es en sí misma una interpretación, sino más bien una reproducción. Como si el sistema de aparatos hubiera abierto una ventana que nos permite revivir el pasado. Surge entonces una especie de transparencia en la percepción, que libre de las figuras humanas del compositor y el ejecutante, cree encontrar en la materialidad del sonido que emiten las bocinas, el sonido mismo de la ejecución perdida. Como si a diferencia de la tradición oral y escrita, la reproductibilidad técnica permitiera la transmisión de la música de un modo inmanente, que nos muestra el acontecimiento sonoro ocurrido en sí mismo.

Los discos nos muestran “algo” inherente al hecho particular que fue grabado, y eso es lo que nos permite reidentificar un vasto universo de elementos que al oído le resultan idénticos al original, cada vez que le damos play. De aquí el que la reproductibilidad técnica se haya convertido en el método de transmisión de la música de mayor auge en la actualidad.

Ahora bien, en sentido estricto, aunque nos hemos acercado al ideal de atrapar a la música en su trascurrir, lograrlo es sólo una ilusión, pues lo cierto es que nunca volveremos a experimentar un acontecimiento musical tal y como sucedió en vivo. En cuanto a la grabación misma, a partir de que el sonido pasa a través del micrófono y se convierte en audio, parte de su vitalidad muere. Los micrófonos, los sistemas de almacenamiento y las bocinas están avocadas a transmitir el rango audible de frecuencias con una fidelidad cada vez más sorprendente, sin embargo, los instrumentos musicales acústicos y los sonidos del mundo, nos ofrecen frecuencias y texturas de armónicos que llegan a nuestro oído y tacto con una brillantez singular, pues no hay que olvidar que al pasar por el micrófono siempre hay una pérdida de frecuencias audibles e inaudibles. Esto quiere decir que el mismo sistema de aparatos que nos permite grabar y reproducir el sonido nos impide atrapar la música tal y como se dio.

Desde el lado del sujeto, tampoco podemos hablar de una experiencia musical –o de cualquier otro tipo- igual. En principio, porque nuestra propia disposición espacial y temporal nunca es la misma. Por muy fiel que sea una grabación, bastará con caminar más cerca o más lejos de las bocinas para que nuestra forma de captar el sonido se modifique. Aunado a ello, nuestro estado perceptual frente a la música, se encuentra siempre fluctuando dentro de una corriente de emociones y pensamientos. No es lo mismo oír Siguiendo la luna de Los Fabulosos Cadillac’s, a los 18 años en la playa rodeado por tus amigos después de una borrachera con la luna en su plenitud, que solo en el coche, a los 27, de camino al trabajo por la mañana. El tono emocional y los pensamientos que envuelven nuestra cabeza, le dan a cualquier vivencia musical, un carácter particular, que es siempre nuevo.

A pesar de lo anterior, la reproductibilidad técnica, ha sido desde su invención para acá, el método de transmisión de la música que más rápidamente y en mayor medida ha transformado el modo en que concebimos, creamos y experimentamos la música. Esto se debe a que, contrario a la idea generalizada de que la reproductibilidad técnica ofrece los hechos sonoros en sí mismos, lo que se nos presenta en una grabación, lejos de una reproducción sin más, es una gran cadena de interpretaciones que entran en juego en su transformación.

(Continuará… esperalo en el numero de descarga de octubre) [i] Benjamin, Walter, La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica. Editorial Ítaca, 2003. Trad. Andrés E. Weikert.

Como un buen blend, bourbon, o un single malt ligero, el nuevo album de Calamaro se sirve así… On the Rock. Dando plena continuidad a lo logrado en La Lengua Popular, este icono del rock de la Argentina sigue firme en la apuesta ganadora del combo de crudeza en el sonido que ofrece lo limpio de su telecaster, además de la distorsión de alguna stratocaster o les paul, acompañadas por una fiel, presente y potente base rítmica de bajo y batería.

Si bien no es novedad escucharlo cantándole a la amistad, a la nostalgia de los viajes, al desamor y la ebriedad, sí es digno destacar que este Calamaro es fresco y explosivo, pero centrado y definido a la vez. A lo largo de su trayectoria como solista se le ha visto experimentar con géneros y subgéneros como rock, punk, blues, reggae, balada, bolero, tango, tanguillo, rumba, milonga, y cumbia, entre otros, y en ocasiones combinándolos todos en un mismo proyecto discográfico, pero ahora con On the Rock presenta un producto más condensado, que se limita a los horizontes rockeros, en el cual se hacen muy presentes cada uno de los miembros de la banda. Suena más a una banda de rock que a un frontman bien acompañado. Ahora bien, eso no le impide imprimirle un toque de experimentación, ya que en varios temas se encuentran artistas invitados como El Langui, Calle 13, Niño Josele (quien lleva acompañándolo por lo menos desde 2004), Diego –el Cigala-, Enrique Bunbury y Vicentico.

Buena selección de temas que nos remiten al ambiente de los bares a la media noche, a los aromas y fragancias de la calle en movimiento, a infinitas esperas en estaciones de tren y aeropuertos. Buenos arreglos de cuerdas en Te Extraño, y guitarreos, tanto limpios como distorsionados, a full en Flor de Samurai, son algunas de las características más destacables de este album.

En fin, lo más prudente es parar la pluma y dejar a ustedes la opinión final. Así que amigos, caballeros, rockeros, baladeros, tangueros, eternos nostálgicos y curiosos, la casa recomienda escuchar On the Rock, tal como es, con una malta bañando únicamente un hielo.

A dos años de haber iniciado su proyecto como solista, a dieciocho de la formación original de Los de Abajo, y a doce del primer Vive Latino, Liber Terán es, sin duda alguna, un pionero de la música étnica, folk y popular en México.

Resabio de aquellos que alzaron la voz no por un mundo mejor, pero sí por uno más justo, menos cruel y más conciente del lado oscuro del hombre. Musicalmente activo, en un mundo en donde las posturas platónicas se fueron desgarrando y desangrando hasta quedar completamente sepultadas por la lápida de un sistema político, económico y de integración social comodino, superficial, prefabricado y predecible, decidió rescatar lo más auténtico y original de las distintas músicas del mundo, para mostrar que, si las manifestaciones artísticas de diferentes culturas pueden fusionarse y convivir en plena armonía, también lo pueden lograr sus habitantes.

Después de haber recorrido distintos fotos alrededor del mundo, de haber puesto a bailar a las masas alemanas, japonesas, estadounidenses, chilenas, australianas, neozelandesas, entre otras, hoy día se encuentra en México promocionando su más reciente producción, El Gitano Western, un híbrido entre la música balcánica, de banda norteña (mexicana), y el sonido crudo del rock&roll. Una verdadera oda para aquellos de espíritu errante.

Amigos, caballeros, bellas damas, y aquellos con alma pata de perro, Los de Abajo y Liber Terán son otra recomendación de la casa, la cual invita a dejar de lado nacionalismos pervertidos, para dar cabida a una nueva conciencia de integración universal entre los individuos.

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Con esto de la tecnología y particularmente el Twitter, podemos no solo leer los comentarios de una gran variedad de músicos, sino que además gracias a esto podemos conocer su ideología y personalidad de una forma mas cercana a la realidad y así entender los porqués de su música.

Basta con seguir de cerca el timeline de tu artista favorito para darte cuenta de como piensa, que cree y cuales son sus pasiones y prioridades. En muchos de los casos los artistas quedan tan desnudos que de inmediato muestran su rostro mas intimo y desconocido, tristemente muchas veces para mal.

Hablemos en particular de un ‘músico’ (entre comillas) de gran fama en el habla hispana; Aleks Syntek. En su twitter Aleks se ha dado el lujo de criticar a los que en particular el considera artistas faltos de creatividad y con poco talento. Concretamente hace poco el se refiero con sarcasmo a que esta clase de compositores hacían uso de palabras poco usadas en el habla común para completar la letra de sus canciones, como por ejemplo incluir la palabra ‘habitación’, termino que todos entendemos pero que muy pocos usan en el habla cotidiana. Otra de las frases que aparecen en las canciones en español y que fue criticada por Synteck es la de ‘baby’. Hagamos una reflexión en la crítica de Aleks y veamos cuanta razón tiene y si el mismo es congruente con su propia crítica.

Desde nuestra forma de pensar el que la palabra ‘habitación’ no sea tan usada en el habla cotidiana, no puede ser un elemento criticable que un autor la incluya en sus letras, por el contrario, si nuestro idioma es tan basto y rico ¿por que limitarnos a escribir solo lo que en nuestro entorno es normal?. Antes que criticar  a quien se vale del largo y ancho de su vocabulario, hay que aplaudirlo por fomentar el uso de palabras linguísticamente correctas y de esta forma enriquecer y embellecer la prosa en cuestión.

¿Que hay de valerse de modismos en ingles como ‘baby’? si bien es cierto que baby no es una palabra castellana y tal vez usarla no sea lo mas adecuado, por lo menos baby es una palabra que existe, en otro idioma, pero existe. En cambio ¿que se puede decir de un compositor como Synteck que se ve obligado ante su corta fluidez lingüística a inventar palabras como relleno de una canción? Tal vez yo no conozco bien mi lengua materna pero nunca había escuchado algo tan absurdo como el ‘Wondirandirindam-wondiramdiram’ de Sexo, pudor y lágrimas.

Pero el colmo de todo, la mediocridad musical y mental en su máxima expresión por parte del señor Synteck, nos llega hasta ahora.

Como bien sabrán, en México se esta de manteles largos con motivo de El bicentenario del inicio de la Independencia, por lo cual se le encargo a Aleks Syntek y Jaime López que prepararan una melodía conmemorativa para este magno evento. No se necesitan más de tres milímetros de sentido común para analizar y sentar las bases.

Prácticamente lo que a Syntek se le encargo fue un canto a la patria como celebración, y el antecedente nacional nos muestra que el canto patriótico mas famoso e importante es nada mas y nada menos que el insuperable Himno Nacional Mexicano, una obra magna de la poesía bélica que ya hemos tenido el honor de alabar. Nadie esperaba que Syntek igualara semejante joya musical, pero ante tal reto lo mas sensato y respetuoso es hacer algo que verdaderamente muestre un esfuerzo real por emular dicho portento artístico.

Como una vulgar y miserable burla, el señor Syntek no solo demuestra su nulo talento musical y poco sentido común, sino que deja la desagradable impresión de haber planeado con toda intención hacer lo completamente opuesto de lo que se esperaría de un encargo tan importante. Al nada prudente de Aleks Syntek se le ocurre sacar una vacía, plástica y de pésimo gusto melodía POP para celebrar a la nación. Si el ‘Waka waka’ de Shakira para Sudáfrica 2010 fue sumamente criticado, esta canción de Syntek no encuentra justificación alguna. Ya no se sabe que es lo mas patético de todo, si el genero que el compositor escogió o el que una vez mas, fiel a su costumbre, se inventara una palabra de relleno ante su poca creatividad y se viera forzado a cantar un absurdo‘Shalalalala’ en el coro de la canción llamada ‘El futuro es milenario’.

Tal vez el Sr. Syntek se imagino que le habían pedido el himno para un futuro mundial de futbol en México y trato de imitar a Shakira con una cancion que atenta al intelecto humano, pero su decisión no podía ser más nefasta y fuera de lugar. Sin embargo lo mas criticable de todo no es su falta de criterio y talento, puesto que aquí mas bien deberíamos de criticar al que tuvo la brillante idea de dar dicho encargo al Sr. Syntek y a Jaime López, puesto que como decimos en México “la culpa no es del indio sino del que lo hace compadre”. Aquí lo peor de todo es la actitud con la que Aleks Syntek responde a las críticas de la gente. Haciendo gala de su plena inmadurez, mediante su twitter Aleks Synteck contesta y trata de justificar su aberrante cancion: http://www.twitlonger.com/show/37ustl

Que triste y preocupante es ver la actual escena musical que predomina en nuestra sociedad. De la apoteótica obra de González Bocanegra y la romántica anécdota de su inspiración, al deprimente insulto de Aleks Syntek y su infantil justificación. ¿‘Shalalala’para una canción de un país que yace su tierra en sangre y se levanta por su heroísmo ante el sufrimiento? por demas esta decir que al susodicho no le hubiera venido nada mal que le prestaran un libro de primaria sobre la historia de Mexico a ver si obtenía de ahí la mas mínima inspiración de un canto que busca conmemorar lo que ocurrió hace 200 años y no hablar de futuros milenarios.

Es entonces cuando nos damos cuenta que la música es un fiel reflejo de nuestra personalidad como individuos. Si como sociedad nos volvemos superficiales, vanidosos, egoístas y vacíos, nuestra música sera así. La ignorancia y la estupidez humana proliferará y se verá reflejada en nuestra forma de pensar y por ende en nuestra música. Es éste el legado que le dejamos a nuestros hijos. Atrás parecen haber quedado las gloriosas épocas donde la gente se esforzaba por ser culta, por trascender y lograr cosas grandes y duraderas. Hoy la corriente musical nos muestra su lado mas simple y vulgar, con melodías intrascendentes, huecas, plásticas. Y es precisamente contra esta clase de moda contra la que queremos luchar en Acidconga. Destrozar este tipo de basura mediatica que parte de la ambición económica, el hambre de fama, de la vanidad y el egocentrismo absurdo y mal enfocado y deja de lado completamente el amor al arte, la humildad, las ganas de crecer como raza, de reinventarnos como individuos para irnos de aquí con la frente en alto y morir en paz.

¿Se puede refrescar el blanco y negro sin que pierda textura? ¿Lo que suena a vintage puede oler a recién estrenado? ¿La mezcla puede crear novedades respetuosas a las raíces originales?

Mambo Ska suena a que sí.

Es fácil. Petter Scott es empresario y melómano. Pasa años en Cuba y se enamora de su música. Allí le cuentan que en los años previos a la Revolución, en las décadas de los 40 y los 50, la isla era unas esponja de estilos que llegaban desde fuera. Tras la victoria de los insurgentes este intercambio musical cesó y el ska jamaicano no cuajó. Petter quiere hacer ska cubano así que contacta con Natty Bo de Top Cats, la voz-ska británica que lleva a Cuba y que en un bar de Santiago se encuentra a Benny Billy, voz-cubana clónica a la del mítico Beny Moré - del que dice ser la reencarnación-. Luego llegaron el resto de la familia y por nombrar a algunos, hablaremos del  el jaimaicano Eddie “Tan Tan” Thorton -que trabajó con los Beatles, Marley, Hendrix o los Rolling -, la saxofonista nipona, Miss Megoo, que sorprende en directo o el bajo acústico de Rey Crespo – que ha sonado con Omara Portuondo o Cachao-.

A día de hoy su calendario sonoro acumula 6 años de trayectoria, supera los 200 conciertos que se han expandido por más de 30 países, y ponen un nuevo disco sobre la mesa, Mambo Ska. Las manos y las voces de estos músicos insuflan aire nuevo a canciones como a la puertorriqueña “Piel Canela“, la colombiana “Cumbia del Monte” o la chicana “Tequila” y aporta envueltos con son cubano, mambo o ska -y bastantes otras monerías sonoras- sus propios temas, esos que tal vez dentro de 50 años podrían ser re-sonados vaya usted a saber cómo. De momento, si ponemos canciones como “Lupita“ bien alto en los altavoces y los rodeamos de CDs de los clásicos de los que Ska Cubano ha bebido, podemos observar como éstos retumban, saltan. Creo que es la prueba irrefutable de que Mambo Ska les gusta.

Desde la República de Eslovenia, Robert Peut, conocido como Magnifico, piensa y tiene una idea que lanza al Chart Europeo de Músicas del Mundo con varias delcaraciones de intención en un inglés universal, eso sí, con acento personalmente balcánico. Nos referimos a “I think” del disco Magnification, la nueva receta de este provocador actor, showman y músico que comenzó su carrera allá por el 94, tres años después de la independencia de su país de la antigua Yugoslavia, contexto que le hizo pasar de los conflictos de la zona a refugiarse en los conflictos creativos de su cabeza.

Su último caos musical, que incluso se atreve a versionar sin estridencia y a su aire la mítica “House of the rising sun” de The Animals, magnifica los sonidos balcánicos mezclados con el country, el r&b y la pachanga occidental bien producida, flirteando con las cornetas mexicanas y el guitarreo espejísmico que a veces imita al vibrante reflejo del horizonte desértico de cualquier película del spaguetti western o nos lleva a ciertas escenas de Tarantino. Y hablando de golpes, atesta a través de la ironía de sus letras varios izquierdazos al mundo globalizado por unos pocos, mundo con “demasiadas naciones como para tener sólo una estación de tren” donde bajarse.

Con pantalones de campana y estética hortera a más no poder, hace aparecer un espectáculo rítmico y una amalgama sonora de raíces que lanza a Magnifico directo a las listas de cualquier “desperado” por las buenas fusiones balcánicas. Y encima con mensaje crítico, para contribuir a ir cantando la historia de nuestro siglo XXI.

“Mezclo absolutamente todo lo que escucho y me gusta“. Et voilá. O como, tal vez, dirían en su estación de tren eslovena “in tukaj”:

Amigos, caballeros, melómanos y demás, en esta ocasión hago hincapié en una de las variantes del jazz más complejas e interesantes, tanto por la diversidad de influencias que componen sus cimientos armónicos, como por la riqueza que dieron las aportaciones de sus ejecutantes a la improvisación.

Después del swing y el bebop, a finales de la década de los cincuenta, surge este nuevo retoño del jazz llamado Free Jazz, el cual consta de cinco puntos esenciales, de acuerdo a Joachim E. Berendt en su libro El Jazz, que son:

• Una irrupción en el espacio libre de la atonalidad.
• Una concepción rítmica que se distingue por la disolución del metro, el beat y la simetría.
• La irrupción de las –músicas del mundo- en el jazz, el cual se ve repentinamente confrontado con todas las grandes culturas musicales, desde África hasta la India, y desde Arabia a Japón.
• El realce del momento de intensidad, en forma desconocida en anteriores estilos del jazz. (El autor también menciona que los músicos del free jazz hacen un auténtico –culto a la intensidad-).
• Una extensión del sonido musical, el cual invade el ámbito del ruido. (¡Cuidado! Ruido no significa estridencia).

El último punto va de la mano del segundo. El ruido en el jazz puede ser entendido de  distintas maneras, ya que abarca diferentes rubros como la ruptura en el orden de los tiempos, métricas y/o, anteriormente conocidas en el bebop. Además, los oídos de aquel entonces catalogaron de ruidoso el free jazz porque no lograban comprender una armoniosa composición nutrida de escalas arábigas, amalgamadas con el beat de un blues o de un swing, y en donde los solos de saxofón, piano o contrabajo lograban extensiones tan largas como la inspiración de los ejecutantes dictara.

Don Heckman, crítico y músico neoyorkino, dijo alguna vez, “Creo que durante toda la historia del jazz hay una tendencia de crecimiento libre, en dirección a la liberación de la idea improvisadora de las limitaciones armónicas”. Esta cita describe óptimamente la esencia del free jazz, es decir, la libertad de jugar con distintas métricas y armonías. Esta liberación supone un nuevo eslabón en la tradición jazzistica, no una ruptura, y abre paso a todas las posibilidades para la explorar nuevos horizontes en la improvisación.

Cosmopolita y portavoz de la autoexploración espiritual. El free jazz no sólo rompió limites y estereotipos en la música, además, fue una manifestación artística que invitó a la reivindicación de los derechos de los negros en Estados Unidos y puso en duda algunas bases cristianas. Joachim E. Berendt menciona en El Jazz una cita al respecto del escritor afroamericano, James Baldwin: “Todo el que desee llegar a ser un ser humano verdaderamente moral deberá divorciarse primero de todas las prohibiciones, crímenes e hipocresías de la Iglesia cristiana. La idea de Dios sólo es válida y útil si puede hacernos más grandes, más libres y más capaces de amar”. De esta manera músicos como John Coltrane, Herbie Mann, Art Blakey, Randy Weston y Ornette Coleman, entre otros, fusionaron en el jazz armonías y métricas tanto de música árabe como de la India. Berendt también hace mención de la riqueza rítmica que tiene la música clásica india, ya que se basa en talas (series y ciclos rítmicos de enorme variedad, los cuales van desde 3 hasta 108 golpes), y sostiene que esta separación de la uniformidad en 4/4 (el tiempo más simple y común en la música popular) es lo que fascina a los jazzistas modernos.

John Coltrane

Irónicamente su estancia en el mundo fue relativamente corta, ya que murió a los 41 años de edad, pero una de sus más reconocidas aportaciones a la música fue el sentido de atemporalidad en el jazz. Extendió los solos de su saxofón (tenor y soprano) tanto como su imaginación se lo permitió. Icono y maestro de la improvisación. Jugó con armonías arábigas e indias sobre bases de blues, y rápidamente esas aportaciones comenzaron a captar la atención del mundo entero, a tal grado que la frase más famosa sobre su ejecución fue, “Lo único que puedes y debes esperar de Coltrane es lo inesperado”, publicada por Zita Carno en la revista Jazz Revue.

Después de haber tocado con Miles Davis y Thelonius Monk, en 1960, ya como líder de su cuarteto, decide lanzar My Favourite Things, álbum que resulta ser todo un éxito gracias a la entonación nasal de una zourka (instrumento árabe muy parecido al oboe) en su saxofón soprano. Esta innovación evidenciaba claramente las influencias de la música árabe en la nueva variante del jazz. Un año más tarde graba Olé Coltrane (con la disquera Atlantic) y African Brass (con la disquera Impulse) en donde hace cada vez más evidente la incorporación de escalas y armonías hispano-moriscas e indias a su música.

Para él la religión jugó un papel fundamental, porque entendió que si elevaba su sentido de espiritualidad, podría entonces ampliar su creatividad musical. Explorando la música oriental, y haciéndola cada vez más presente en sus composiciones, manifestó una firme posición ante la apertura espiritual que existía en la India y en algunos países árabes. Para Coltrane (o simplemente Trane como se le conocía popularmente) el concepto de deidad resultaba sinónimo de libertad, de integración en la diversidad, que si bien podía concretarse armónicamente en su música, también debería ser posible entre las personas. A Love Supreme, una de sus obras más complejas y reconocidas, es considerada por muchos críticos como el disco en donde llegó a su punto más álgido en la composición, y con una mayor impresión de lo espiritual. Este álbum consta de cuatro temas definidos por el mismo autor como una mezcla de “elegancia”, “elevación” , y “entusiasmo”, en donde logra esta ofrenda a lo incorpóreo, a lo místico, y a la libertad.

Ya en 1964 muchos defensores de los derechos de la población afroamericana en Nueva York habían encontrado en la música de Coltrane una manifestación artística que reivindicaba la Nueva Música Negra. Un año después ofreció un concierto en la Black Arts Repertory School, en donde el entonces director, Leroi Jones (también escritor y poeta), lo calificó de “orientalista”, de ser portavoz de un lenguaje de paz y unidad, y de poseer la energía rítmica negra en el blues dentro del plano de la reflexión.

En fin, profundizar en el Free Jazz, así como en la vida y obra de John Coltrane, llevaría a escribir textos de dimensiones enciclopédicas, pero seguramente más adelante le daremos continuidad a este tema con algún otro artista o disco en particular. Para aquellos amantes del blues, la música étnica, y el jazz, Equinox, Blue Train, y A Love Supreme, son, en definitiva, unas excelentes recomendaciones para deleitarse con la libertad cosmopolita de este género.

Equinox – John Coltrane

Equinox

Blue Train – John Coltrane

Blue Train

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Durante décadas la Marsellesa francesa ha ostentado el honor de ser considerada el más hermoso himno del mundo, y en parte podrán darles gracias también a los británicos Beatles por ello. Y meritos le sobran a la Marsellesa, pero para variar y como contracultura osaremos desmentir el criterio general y daremos ese título al Himno Nacional Mexicano, expondremos las razones.

Y es que pocas melodías en la tierra podrán estar cerca de poseer el elevado valor poético y melódico del Himno Nacional Mexicano. Porque hablamos de un portento artístico tan violento como hermoso. En verdad lo es, sencillamente majestuoso. Escrito con un basto y elevado vocabulario, sazonado con una exquisita elegancia, convierte la más determinante invitación al derramamiento de sangre en una poética manifestación fonética pasional a defender con honor la soberanía nacional.

La letra va más allá de ser considerada como solo un canto patriótico, merece ser reconocida como lo que es, el más hermoso poema bélico jamás escrito.

Que ironías tiene el destino, cuando en 1853 se convocó al concurso para escribir la letra de un Himno a la Patria, el entonces romántico escritor Francisco González Bocanegra se pensaba solo capaz de elaborar tiernos poemas para la mujer amada y desestimo toda sugerencia de amigos, familiares y prometida de participar en dicho concurso. Pero ya lo dice el dicho; del odio al amor hay solo un paso.

Tal vez de ahí encontramos la singularidad en el contenido de este himno y el motivo por el cual sus versos denotan una prosa tan pasional. De la mente de ese poeta lírico dedicado solo a las frases de amor, se desprendería esta magna obra de violencia y odio por todo aquel que se atreviera a profanar con su planta el suelo patrio. Y es que no hay sentimiento mas fuerte que el amor, sentimiento que inspiraba constantemente a González Bocanegra, y aplicado dicho sentimiento al patriotismo, no puede haber mayor motivación para empuñar el arma y ofrecer la vida sin miramientos que precisamente el amor a la patria.

Seria entonces Guadalupe González del Pino, prometida de González Bocanegra, la que cansada de insistirle a su amado para que escribiera la letra del himno, prácticamente lo obligaría a hacerlo. Valiéndose de alguna excusa (o promesa), condujo a Francisco hasta una habitación y lo encerraría bajo llave, dejándolo en libertad solo hasta que lograra entregar un poema que sirviera de letra para un canto a la patria. La habitación previamente había sido provista de documentos sobre diversos pasajes de la historia de México que servirían de inspiración a González Bocanegra. Cuatro horas de encarcelamiento dieron como resultado 10 magnificas estrofas que ganarían sin discusión el concurso.

El italiano Giovanni Bottesini lograría en primera instancia ganar la competición musical, pero discutidamente debido a que la apertura no fue del gusto de los jueces. Un segundo concurso encontraría como ganador al catalán Jaime Nunó Roca, líder de varias bandas militares mexicanas. Sin duda, la parte musical estaba a la altura del poema bélico y lo complementaba a la perfección.

Es triste sin embargo que un himno de tan elevada estética no sea aprovechado, desde nuestro particular punto de vista, a su máxima expresión. En una época difícil para México, donde ni política, ni social, ni deportivamente la gente encuentra esperanza, este himno bien pudiera despertar del lamentable letargo al pueblo azteca. Se lo digo yo que soy mexicano. Si los políticos y autoridades de cualquier nación mostraran el más mínimo respeto por sus respectivos himnos, desistirían de corromper su propio sistema y perjudicar a los suyos.

Y es que en Acidconga estamos convencidos de que el poder del arte, concretamente de la música, va más allá de satisfacer solo nuestros ratos de ocio y de servirnos como entretenimiento. Señoras y señores, la música es capaz de transformar sentidos, ideologías y corrientes culturales. Así ha sido a través de la historia humana y lo seguirá siendo por la eternidad.

Dejemos de lado solo esta vez nuestra raza y nacionalidad, disfrutemos de La Marsellesa pero no olvidemos El Masiosare, como también se conoce al Himno Nacional Mexicano.

Versión original de 10 estrofas:

himno-mexicano-completo.mp3

(Coro)
Mexicanos, al grito de guerra
El acero aprestad y el bridón,
Y retiemble en sus centros la tierra
Al sonoro rugir del cañón.

(Estrofas)
I
Ciña ¡Oh Patria! tus sienes de oliva
de la paz el arcángel divino,
que en el cielo tu eterno destino
por el dedo de Dios se escribió.
Mas si osare un extraño enemigo
profanar con su planta tu suelo,
piensa ¡Oh Patria querida! que el cielo
un soldado en cada hijo te dio.
II
En sangrientos combates los viste
por tu amor palpitando sus senos,
arrostrar la metralla serenos,
y la muerte o la gloria buscar.
Si el recuerdo de antiguas hazañas,
de tus hijos inflama la mente,
los laureles del triunfo, tu frente,
volverán inmortales a ornar.
III
Como al golpe del rayo la encina
se derrumba hasta el hondo torrente
la discordia vencida, impotente,
a los pies del arcángel cayó.
Ya no más de tus hijos la sangre
se derrame en contienda de hermanos;
solo encuentre el acero en tus manos
quien tu nombre sagrado insultó.
IV
Del guerrero inmortal de Zempoala
Te defiende la espada terrible,
Y sostiene su brazo invencible
tu sagrado pendón tricolor.
El será del feliz mexicano
en la paz y en la guerra el caudillo,
porque el supo sus armas de brillo
circundar en los campos de honor.
V
¡Guerra, guerra sin tregua al que intente
de la patria manchar los blasones!
¡guerra, guerra! los patrios pendones
en las olas de sangre empapad.

¡Guerra, guerra! en el monte, en el valle,
los cañones horrísonos truenen
y los ecos sonoros resuenen
con las voces de ¡Unión! ¡Libertad!
VI
Antes, Patria, que inermes tus hijos
bajo el yugo su cuello dobleguen,
tus campiñas con sangre se rieguen,
sobre sangre se estampe su pie.
Y tus templos, palacios y torres
se derrumben con hórrido estruendo,
y sus ruinas existan diciendo:
de mil héroes la patria aquí fue.
VII
Si a la lid contra hueste enemiga
nos convoca la trompa guerrera,
de Iturbide la sacra bandera
¡Mexicanos! valientes seguid.
Y a los fieros bridones les sirvan
las vencidas enseñas de alfombra:
los laureles del triunfo den sombra
a la frente del bravo adalid.
VIII
Vuelva altivo a los patrios hogares
el guerrero a contar su victoria,
ostentando las palmas de gloria
que supiera en la lid conquistar.
Tornáranse sus lauros sangrientos
en guirnaldas de mirtos y rosas,
que el amor de las hijas y esposas
también sabe a los bravos premiar.
IX
Y el que al golpe de ardiente metralla
de la Patria en las aras sucumba
obtendrá en recompensa una tumba
donde brille de gloria la luz.
Y de Iguala la enseña querida
a su espada sangrienta enlazada,
de laurel inmortal coronada,
formará de su fosa la cruz.
X
¡Patria! ¡Patria! tus hijos te juran
exhalar en tus aras su aliento,
si el clarín con su bélico acento
los convoca a lidiar con valor.
¡Para ti las guirnaldas de oliva;
¡un recuerdo para ellos de gloria!
¡un laurel para ti de victoria;
¡un sepulcro para ellos de honor!

Solo fueron necesarias dos canciones para no pensarlo y hacer de este  disco el disco de la samana. Lo mas curioso, en el orden en las que fueron reproducidas. Este disco esta perfectamente diseñado para el hombre desolado, el hombre sin rumbo, sin esperanza. El hombre solo, nostálgico solo tiene que meter este disco en su antiguo reproductor para luego así saber que esta vida quiza no sea siempre del todo de colores pero ese tono de grises y de tonos obscuros su pueden abrillantar al escuchar composiciones de corazones sinceros que sangraron alguna vez para entintar de rojo aquellos colores neutros de la vida de otros apasionados.

Decidí poner de forma aleatoria aquella canción que me recordaba a Chavela Vargas: `Soledad´. Y solo al abrirme el apetito dejé que el disco corriera para acabar de saciar mi hambre con la colaboración de Andres Calamaro y la canción de `Los Hermanos´ curandome esa hambre nostálgica por no decir que la siguiente canción que seguía era aquella del maestro tanguero Enrique Cadícamo, valga la redundancia: `Nostalgías´. Estaba ya listo para salir a la calle y enfrentar la aparente insensibilidad de alla fuera sabiendo que siquiera exiten joyas de este tipo para saber nuestra verdadera naturaleza.

Cigala & Tango es un asado recien puesto a las orillas del Río de la Plata a plena ranura pampeana, en Buenos Aires. El álbum incluye once clásicos del tango, entre ellos, ‘El día que me quieras’ o ‘Nostalgias’. Músicos de ambas orillas como Andrés Calamaro, Diego del Morao, Yelsy Heredia, Néstor Marconi o Pablo Agri participan en la grabación. Este es el Disco de la semana de Acidconga.

A mi madre por la canción Alfonsina y el mar.

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Amigos, caballeros, asiduos lectores, curiosos, y demás, a continuación quisiera compartir con ustedes una reflexión que he tenido a últimas fechas sobre la crítica musical que se hace en México, sus grandes carencias, la pobreza empírica y el lúgubre panorama que asoma.

Basta con escuchar alguna de las dos o tres estaciones de radio que dedican su programación a la música alternativa para darse cuenta que comparten tres elementos comunes:

• Pobreza en el lenguaje de los locutores (pese a que varios o muchos de ellos presumen haberse licenciado en ciencias de la comunicación).
• Absoluto desconocimiento musical, tanto teórico como práctico (alguna excepción honrosa habrá, pero la gran mayoría no aprendió ni a tocar la flauta en primaria).
• Opiniones completamente tendenciosas, es decir, dependerán de la moda, del auge del artista en el mercado, etc…

Actualmente ya no existe una sola publicación que tenga una crítica musical constructiva. Las pocas que circulan se limitan al uso coloquial de términos vulgares como –chido-, -buena onda-, -gacho-, además del abuso de anglicismos como –cool-, -in-, -wild- entre otros. También vale la pena mencionar que gran parte del contenido de las notas es un breve resumen de la página de Internet del artista, o en el mejor de los casos, un refrito de alguna entrevista publicada en revistas extranjeras.

La juventud merece y debe exigir publicaciones de mayor calidad, más nutridas de información, con entrevistas más elaboradas, con fuentes mucho más confiables y con datos más relevantes. Resulta indignante que una publicación como la edición en castellano de Rolling Stone tenga altos índices en ventas, dado que muestra absoluta incoherencia temática, pobreza tanto en la traducción de los artículos originalmente escritos en inglés, como en el lenguaje de los redactores (parece un mal común que aqueja a muchos comunicadores mexicanos), además de una falta de contexto hacia la realidad mexicana, ya que no es extraño encontrar por ahí alguna traducción literal de expresiones en inglés, que al ser traducidas pierden todo sentido.

Desgraciadamente el abandono al proyecto educativo en México se hace cada vez más evidente, y los supuestos comunicadores y críticos musicales no muestran lo contrario. ¿Por qué en Argentina y en Inglaterra la opinión musical es mucho más elaborada, fundamentada, y en términos generales de mucho mejor calidad? La respuesta a esta interrogante es compleja, pero sin duda, el que en esos países la instrucción musical forme parte de la educación básica, y que en ella tenga una alta jerarquía, repercute positivamente tanto en los músicos, como en la opinión popular. Gran parte de los críticos musicales en Argentina, España, e Inglaterra tienen, además de conocimientos musicales básicos, experiencia en escenarios y/o estudios de grabación, lo cual les permite tener otra perspectiva del tema. Esa pizca de empirismo le brinda otra dimensión a la opinión. Entender la música desde dentro, desde otra óptica, le da a los críticos argentinos, españoles e ingleses, mucho más veracidad, más fundamentos, mayor capacidad de análisis y, en definitiva, eleva la calidad de la crítica.

La inconformidad de este texto es justo hacer hincapié en que la crítica y el análisis que se hace en México no supera las barreras de la moda, de lo común y de lo simple. Muy pocas veces se ahonda en temas como la complejidad en la construcción de armonías que tiene una banda o artista, rara vez se escucha o lee a alguien que enfatice sobre el ímpetu y el trabajo de algún instrumentista para lograr un sonido peculiar y definido. Por ejemplo, de Charly García y Gustavo Cerati únicamente se habla del estado de salud en el que se encuentran, sus adicciones a las drogas, procesos rehabilitación, regreso a los escenarios, la trascendencia de algunas canciones icónicas y no más, nadie puntualiza en la esencia musical de estos dos titanes argentinos de la composición, nadie habla de la evolución de su sonido, nadie profundiza en el proceso evolutivo de la composición armónica que han tenido, y nadie se atreve a desmenuzar las canciones para encontrar la riqueza rítmica y armónica que contienen. ¿Y los grandes músicos mexicanos?, ¿qué ha pasado con ellos? Sobre Chetes (indiscutiblemente uno de los músicos más vanguardista de la escena nacional) se le reconoce que cante en inglés y que siga vigente con varios proyectos, pero no se hace mucho alarde de las grandes aportaciones que dio desde su banda anterior, Zurdok Movimento, ni del gran compositor que es. Ejemplos sobran, pero lo importante es darnos cuenta de que la opinión musical en nuestro país es muy pobre porque quienes se encargan de ello tienen grandes carencias y limitaciones en el tema.

En fin, este polémico tema da para mucho más y seguro le estaremos dando seguimiento aquí en acidconga.com. Nos encantaría que nos compartieran sus opiniones al respecto. Ah, quisiera agregar que esta crítica no va para todos los comunicadores mexicanos, ni para todas las estaciones de radio, como ya había mencionado, existen locutores y estaciones que tienen programas muy interesantes, con puntos de vista y análisis sumamente elaborados y enriquecedores, pero por desgracia no son la mayoría.

Después de la brillante sorpresa que significó “All Is Yes ”, su debut discográfico y que les supuso ganar el premio al Album de Jazz del Año de la BBC, se esperaba con interés el segundo disco de Get the Blessing. Y aquí está. Lo primero que llama la atención es que el grupo ha variado de nombre y le ha añadido un ‘Get’ al inicial The Blessing. La razón se encuentra que no querían que se les confudiese con un grupo de punk de igual nombre. Para quienes no conozcan a esta banda de Bristol baste decir que está liderada por la sección rítmica de Portishead: el bajista Jim Barr y el baterista Clive Deamer.

Este segundo disco sigue siendo, a pesar de tener un nombre parcialmente distinto, otro soundtrack perfecto para persecuciones de coches aunque esta mejor mezclado y producido y es un poco mas rico armónicamente que el pasado pero en escencia es su mismo estilo. Al parecer están entregando todo estos chicos en estas producciones, si así siguen el tercer disco será simplemente una oda al Hard Jazz

Este es el Disco de la Semana de Acidconga

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Este fin de semana promete, ya que todos los residentes de la Unión Europea o para aquellos que cuentan con un alto poder adquisitivo nuevamente se presenciará en Rotterdam uno de los Festivales de Jazz mas importantes del mundo. Puede que no tenga la fama que puede tener un Festival de Jazz de Montreux o aquel Festival de Jazz de Montreal, pero sin duda la altura de éstos la tiene. Su nombre, North Sea Jazz, el lugar, Rotterdam, Holanda a solo unos minutos de Amsterdam.

Este festival comenzo en la Haya en 1976 presentando artistas como Dizzy Gillespie y Stan Getz. Ahora es conocido por manejar diferentes estilos, desde New Orleans jazz, hasta el swing, bop, free jazz, fusion, avant-garde jazz algo de electronic jazz; al blues, gospel, funk, soul, R&B,  world beat y como no un poco de Latin beat.

A contado a lo largo de sus presentaciones con artistas como Paul Anka, Miles Davis, Ibrahim Ferrer, Ella Fitzgerald, Alicia Keys, Al Jarreau, B.B. King, Wynton Marsalis, Herbie Hancock y Jamiroquai. Y siempre ha sido un foro abierto a las mejores proposiciones jovenes de Jazz contemporáneo.

Las Fechas son el 9, 10 y 11 de Julio 2010. Todavía hay entradas para muchos de sus conciertos. Pero si no quieres pagar el precio de un concierto de demanda, en toda la ciudad se vivirá un ambiente perfecto, donde se verán presentaciones de artistas en la calle, en los cafes y/o en los parques. Todo un fin de semana donde el tema principal será el Jazz.

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Alguna vez tuve una charla con una persona muy cercana, muy afín a la religión católica la cual yo trataba de convencer que en ésta no se podía encontrar la verdad. Recurriamos a la filosofía y a la psicología, yo exponía la manera Schopenhaueriana de ver la las cosas tratando de llegar a la absoluta realidad. Sin embargo las respuestas que recibía eran sorprendentes y bastante fundamentadas. Aquella persona recurría a perspectivas como las de San Agustín donde su visión críptica y alegórica, como la que representa el catolisismo, cobraba sentido. Básicamente lo que entendí y me hizo respetar era aquello en lo que consistía la salvación.

Siempre descalifiqué la filosofía del catolisismo por fundamentarse en simbolismos y estar carente de razón, pero si nos concentramos en un Kant y su Crítica a la Razon Pura podemos saber como es que la religión se reduce a un sistema de conducta y da una cierta practicidad y una acertada forma de vivir basada en un pensmiento mas que institucional. Teniendo esto en cuenta, me atreveré a hacer una comparación de la música como estilo de vida y la religion católica.

La música para muchos puede llegar a ser un ente de salvación ya que en ella se pueden encontrar elementos de suma relación con la espiritualidad. Voy a poner algunos ejemplos cotidianos: uno es despedido del trabajo, o se le muere algún ser querido; pues éste al estar en un estado vulnerable y de mayor sensibilidad puede manifestar su sentir tocando un instrumento o bien escuchando alguna pieza catalizando sus emociones de forma positiva. Y mejor aun esto puede darle a aquella persona un impulso creativo.

Entremos en comparaciones:

Un católico ferviente sería como un músico (hay personas que no se entregan completamente). El católico ferviente tiene que estar en completo contacto con su religión asistiendo todos los domingos a misa, haciendo ayuno, cumpliendo con sus santos sacramentos. El músico tiene que estar en completo contacto con la musica, escuchando un minimo de música al día, celebrando sus pascuas musicales, es decir, no dejar pasar conciertos importantes, estar al día de que oye la gente. Cumpliendo con sus ensayos. La misa serían los ensayos. No se puede estar en armonía con Dios si no se esta practicando.

Sí, existen diversas congregaciones pero todas tienen el mismo fin. Como aquella que fundó Miles Davis, esta otra como la de los Beatles o Floyd, o claro, unas mas antiguas como la que fundo Beethoven o aquel sumo sacerdote: Bach. Sin embargo por pertenecer a alguna de éstas no te aparta de las demás.

Para estar en paz hay que estar confesandose para borrar las culpas, hay que tener una constante participación honesta entre músicos, es decir, jamear. Jamear borra las culpas pero no los pecados. Se necesita tener un concierto y recibir una gran cantidad de aplausos para lograr la indulgencia plenaria. Despues de esta sensación nadie te puede quitar esa sensación de satisfacción, felicidad y paz. Dios existe, claro esta, es dificil encontralo pero aquellos que reciben una gratificación por parte de su público pueden saber de que estoy hablando.

Hoy día las religiones llegan a ser calificadas de costumbristas, no evolutivas sin embargo mucha gente recurre a ellas por que encuentra en ellas su dichosa salvación, por lo que se debe ser respetuoso con ellas. La pregunta que yo hago es, ¿Por qué no se puede tomar la música como religión?

Les dejo un video para complementar:

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Fuerza, energía, vitalidad, Calle 13 fue pletórico en Rock in Rio ante 81 mil personas. Yo sin ser partidario del reggeaton puedo decir que esta banda lo puede salvar. Pues sí,  este ensamble es caracterizado por tener alto contenido sexual, para aquellas y aquellos que gustan del calorcito y se entregan al perreo. Quedando clara mi falta de simpatía por el reggeaton que llega a desvirtuar lo divino. Pero Calle 13 no es esto, Calle 13 es swing, jazz ska, merengue es una auténtica bomba Molotov al parlamento del pop anglosajon. Es por eso que me permito hacer una nota a esta banda originaria de Puerto Rico pero con embajadores latinos desde México, Panamá o una representativa y simbólica Cuba.

Es de analizarse el poder mediático que cuenta esta banda y las fuertes aclaraciones que hacen como aquella famosa “Puerto Rico independiente” alimentando esto con la cancion de Querido FBI cual ha sido críticada por promover la violencia en contra de las autoridades tomando como premisas cuando el FBI estuvo en casa de un expresidiario político, nacionalista boricua. El exgobernador de Puerto Rico al escuchar esta canción, siendo grabada por su hijo, notó este poder mediático y les pidió que hicieran un tema en contra de los disparos al aire que se celebran cada fin de año.

Teniendo todos estos datos tenía que hacerse notar este grupo ya que pocas son las bandas que llegan a ser parte del mainstream manteniendo todos sus rasgos de origen, que en este caso son latinos, algo que la conga nunca dejará de difundir.  Pues ya saben aquí seguiremos rompiendo cuero.

Ha pasado tiempo y por diversas razones el cuero de esta conga dejó de retumbar, no se como ha sido posible que éste mi pequeño pero muy valorado espacio ha sido por un momento abandonado, pero nunca ha sido olvidado. Estimado lector, no andaba muerto, y quiza sí, andaba de parranda, pero sobretodo he estado de incursión. Incursión atravez de diferentes mundos, siendo mas exacto, atravez de diferentes perspectivas hacia la música. Incursión entre generos y maneras de creación. Diferentes embarques creativos que me han seguido asombrando a su vez que he encallado en entornos musicales que por momentos califiqué de vanos, de infructuosos pero que afortunadamente caía en el error. No hay música insustancial, lo que hay es diferentes entornos y distintas circumstancias de origen de su gestión. Pero toda música habla, genera imagenes, sucita universos.

Soy afortunado, sigo rodeado de música y quiero pensar que seguiré saciando esta interminable hambre. Me he visto rodeado y puedo decir que jameado con grandes músicos; desde aprendices con tal motivación que de noche a la mañana entienden la escencia del jazz y aparecen en reseñas de periodicos nacionales, hasta músicos de trayectoria con proyectos de sumo valor artístico y tracendencia internacional. He participado en obras teatrales donde he visto como sencillos sonidos pueden tranformar ambientes y no solo eso, soy testigo de como la música es el idioma perfecto para hacer enlaces mas alla de las palabras, las nacionalidades y los idiomas. Tomando esto en cuenta creo que es una atrocidad dejar de reflejar mis impresiones y dejar a un lado esta mi obscesión, la música. Es de saberse que esta conga ácida dificilmente cesará.

Ya bien saben el poder de expresión que tiene este tema, no pretendo hacer un manifiesto. La música en si misma es un manifiesto vivo. Al retomar la literatura solo pienso sucitar, motivar y sobre todo reinvitar a todos los que han colaborado en este espacio para seguir comparando impresiones y experiencias. Ha pasado algo de tiempo y he visto el potencial que puede llegar a tener este medio. Esos momentos de ocio en los que no se puede componer pues si quiera se puede escribir. Asi que esten al tanto porque Acidconga se estará reinventando, habra más entrevistas mas información de primera mano y sobre todo mantendremos este tono subersivo, analítico y reflexivo.